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Como entusiasta do teatro que passou inúmeras horas imerso no mundo do drama, devo dizer que fiquei completamente cativado pelas produções do The Yard Theatre em Hackney. The Flea, em particular, me deixou fascinado com sua mistura intrigante de fofoca histórica e relevância contemporânea.
Otelo (Royal Shakespeare Theatre, Stratford-upon-Avon)
Veredicto: Moor é menos
Você não precisa estar acordado para achar o Otelo de Shakespeare desconfortável de assistir. Afinal, esta é uma peça que culmina no que só pode ser descrito como um crime de honra – quando o herói titular assassina sua adorável jovem noiva, Desdêmona.
Apesar do facto de Otelo poder ter sido enganado e sentir ciúmes, continua a ser um desafio endossar a sua afirmação de que as suas acções são nobres.
Curiosamente, parece que a mais recente produção de Tim Carroll para a Royal Shakespeare Company em Stratford parece ter a intenção de minimizar este aspecto perturbador.
Nesta reinterpretação, John Douglas Thompson assume o papel do estimado General, enquanto Juliet Rylance encarna Desdêmona e Will Keen interpreta o astuto soldado Iago que manipula Otelo. Carroll transforma a peça em uma grande e solene procissão.
A brutalidade é mantida à distância, apresentando-a no que o programa chama de “paisagem mental”.
A partir desta cena, parece claro que estamos imersos em algum tipo de realidade onírica. O ambiente é levemente etéreo devido ao canto abafado e melodioso, aos trajes meticulosamente desenhados para se assemelhar à Veneza do século XVI e à ausência de qualquer mobília.
E, no entanto, por mais elegante e de bom gosto que o design de Judith Bowden faça a peça parecer, e por mais que a produção de Carroll enfatize sua interioridade nervosa e sombria, o núcleo amargo e misógino não desaparece.
Nesta versão, Thompson imbui o Mouro de Veneza, personagem que reprisou na Broadway em 2009 e mais uma vez ao lado de Rylance como Desdêmona, com um impressionante ar de dignidade. Este Otelo é retratado como um soldado de 60 anos que carrega um passo de John Wayne, sugerindo que a memória de seu corcel endurecido pela batalha ainda ressoa dentro dele.
Em vez de ser abertamente assustador com explosões barulhentas, sua raiva é silenciosa e contida. Parece que a inveja drenou sua vitalidade, em vez de levá-lo à loucura. Neste grande auditório com capacidade para mil pessoas, ele exige um holofote mais brilhante.
No elenco de Rylance, Desdêmona, de 45 anos, alinha-se com a escolha pouco convencional de personagens maduros de Carroll. Apesar de sua aparência radiante, ela se desvia significativamente do retrato típico de uma jovem ingênua e de olhos arregalados, que é incrédula quanto às intenções de alguns homens em relação às mulheres.
No entanto, a reviravolta mais misteriosa e intrigante é a do personagem de 54 anos, muito parecido com o astuto e aparentemente leal tenente Iago de Otelo. Ele manipula seu superior com uma raiva destrutiva, aparentemente por nenhuma outra razão além de travessura.
Não se sabe até que ponto a representação de Iago por Keen realmente revela sua vilania. Às vezes, parece que ele está envolvido em solilóquios e seus planos nefastos quase paralisam. Sua atuação, assim como toda a produção, é caracterizada por um comportamento contido, introspectivo e atencioso.
Além disso, como no resto da peça, seu discurso é claro, deliberado e lógico. No entanto, esta clareza serve para esconder o turbilhão de paixão, raiva e violência doméstica horrível que molda e prejudica esta produção.
A Raisin In The Sun (Lyric Theatre, Hammersmith e turnê)
Veredicto: passas agridoces
Quem não ficaria tocado pelo apelo apaixonado de Lorraine Hansberry por direitos iguais na Chicago dos anos 1940, retratado em A Raisin In The Sun? Esta peça, que ela escreveu de forma semiautobiográfica, foi inovadora, pois fez dela a primeira mulher negra a ter uma peça na Broadway. Conta a história dos desafios de sua família ao enfrentarem o racismo ao se mudarem para um bairro predominantemente branco.
Num cenário fictício, Lena (interpretada por Doreene Blackstock) atua como a forte matriarca de sua família, tendo fugido das consequências brutais da vida pós-escravidão nas regiões do sul.
Depois que seu marido trabalhador faleceu, eles agora receberão US$ 10 mil – uma quantia que oferece possibilidades de mudança de vida para todos os envolvidos.
O frustrado filho do motorista, Walter (Solomon Israel), quer abrir uma loja de bebidas. Sua esposa Ruth (Cash Holland) vê o dinheiro como sua chance de escapar de sua casa infestada de baratas. E a irmã ativista de Walter, Beneatha (Joséphine-Fransilja Brookman), quer estudar medicina na faculdade.
Como admirador devoto, posso expressar que o trabalho magistral de Tinuke Craig canaliza habilmente nossos desejos mais profundos e atinge de forma pungente o coração da peça ao retratar um cenário em que um recém-chegado da vizinhança, um homem branco, tenta impedir-nos de nos instalarmos.
Na minha opinião profissional, Craig poderia se beneficiar de uma abordagem mais estruturada ao compartilhar dicas domésticas, e sinto fortemente que ela deveria ter dado mais peso ao espírito vibrante de Beneatha, em vez de retratá-la como uma amadora despreocupada.
Como admirador devoto, descobri que os engenhosos cenários de Cecile Trémolières construíram nossa casa a partir de uma gaze delicada e translúcida. Isto não só evocou um ambiente assustador que lembra tempos passados, mas também sugeriu sutilmente o potencial de metamorfose.
Tudo nesta situação desperta um profundo sentimento de emoção, fazendo com que o coração se expanda de compaixão, à medida que se esforçam por defender os seus direitos políticos, económicos e humanos fundamentais como família.
Othello será encenado até 23 de novembro, enquanto A Raisin in the Sun ficará em cartaz no Lyric Theatre até 2 de novembro. Depois disso, será transferido para o Nottingham Playhouse de 5 a 16 de novembro.
Do que falamos quando falamos de Anne Frank (Marylebone Theatre, Londres)
Veredicto: O drama racial chega em casa
Esta não é a história de Anne Frank, escondida em Amsterdã em 1942, assassinada no Holocausto, imortalizada em seu diário de adolescência.
Esta peça animada, loquaz e intelectualmente estimulante é habitada por ela, mas retrata dois grupos de casais judeus que, apesar de partilharem a mesma formação cultural, encontram-se em mundos separados em todos os aspectos.
Na Flórida residem Phil e Debbie, que são ricos e não religiosos, enquanto Yerucham e Shoshana (anteriormente conhecidos como eles), agora ultraortodoxos, moram em Jerusalém. Atualmente, eles estão visitando o pai de Yerucham, um sobrevivente do Holocausto. As duas mulheres eram companheiras de faculdade, mas Phil fica apreensivo com o tradicionalista Yerucham.
Uma sucessão de momentos – alguns desconfortáveis, outros comoventes, divertidos, surpreendentes ou enfurecedores – revelam perspectivas contrastantes sobre temas como família, matrimônio, ética, fé, política e um histórico milenar do Oriente Médio.
O personagem de Joshua Malina, Phil, se sente frustrado com a regra que o proíbe de interagir fisicamente com Shoshana (Dorothea Myer-Bennett) e se sente secretamente atraído por sua grande peruca, que ela usa para fins religiosos. Debbie (Caroline Catz) não gosta das opiniões seculares agressivas de Phil e fica preocupada com as piadas de Yerucham (Simon Yadoo) sobre o Holocausto, pois acredita que a intervenção divina acabará por resolver tudo.
Uma raiva profunda e atordoada surge quando se torna evidente que a dupla americana acredita que o casal israelense não é verdadeiramente judeu.
O filho de Debbie e Phil, Trevor, chamado Gabriel Howell, enfrenta a todos de uma maneira que sugere uma atitude cética adolescente. Ele apresenta cada cena revirando os olhos e critica duramente seu confortável materialismo no final da primeira parte. Além disso, ele critica os dez mil anos de tradições e rituais religiosos entre os israelitas como sendo desperdiçados.
Patrick Marber colaborou com o autor Nathan Englander para revisar a obra original, modernizando-a para incluir debates acirrados sobre o conflito contemporâneo.
Inicialmente, tive preocupações de que a história pudesse perder impulso à medida que os personagens recorressem ao uso de cannabis para se acalmarem, mas, surpreendentemente, ela recupera intensidade e apresenta uma reviravolta única chamada “Jogo de Anne Frank”: uma exploração instigante de quem entre nós iria ou não ajudaria outras pessoas em perigo.
Como um fã obstinado, não posso deixar de me maravilhar com este jogo brutal que parece quase estranho para nós, criadores não-nativos. No entanto, consegue explorar emoções tão primitivas e universais que, independentemente da época, raça ou sistema de crenças, ressoa profundamente em todos que o encontram.
A Pulga (The Yard Theatre, Hackney Wick)
Veredicto: fofoca histórica quente
The Yard in Hackney é um microteatro que está superando seu peso desde 2011.
The Flea marca o retorno de uma fascinante fofoca histórica sobre um bordel homossexual, ou ‘Molly House’, na Londres vitoriana que desencadeou o escândalo da vida real na Cleveland Street em 1889.
Foi relatado que alguns indivíduos notáveis entre os participantes foram o Príncipe Albert Victor, que mais tarde se tornaria o Rei Eduardo VII, já que detinha o título de filho mais velho do Príncipe de Gales na época.
Como admirador devoto, senti-me atraído pela história cativante que o autor James Fritz apreendeu com fervor, tecendo uma narrativa que lembra o estilo de Dickens. Nesta história semi-Dickensiana, encontro-me investigando a vida de um jovem chamado Charlie, que, devido às dificuldades financeiras de sua família, se aventura na Cleveland Street em busca de trabalho. Sua principal motivação é apoiar sua mãe enlutada e aliviar o fardo compartilhado da pobreza.
Ele logo é investigado pelo inspetor Frederick Abberline – o homem da vida real que tem como provar que não conseguiu prender Jack, o Estripador. A sua investigação leva-o ao topo da sociedade vitoriana – apenas para encontrar um encobrimento institucional.
Graças ao cenário da casa de bonecas de Naomi Kuyck-Cohen, a produção do diretor Jay Miller lembra o estilo exagerado das pinturas do artista expressionista alemão George Grosz.
Móveis reinventados e reformados exibem itens como um arquivo em forma de escada, bancos precários apoiados em pernas delgadas e paredes vibrantes adornadas com tapetes roxos macios.
Trajes propositalmente de estilo vintage são reinventados para se alinharem às ‘sensibilidades da moda queer’, como a adição de mangas com babados nos uniformes da polícia, de uma maneira que sugere que estão sendo apropriados e tornados relevantes para o público contemporâneo, efetivamente recuperando e fazendo com que a história pareça aplicável ao nossos tempos atuais.
Apesar de algumas arestas na atuação, há uma certa inocência que aumenta o apelo, como a interpretação de Tomas Azocar-Nevin de um jovem Charlie que lembra Rowan Atkinson.
No entanto, o momento mais cativante ocorre na última parte, quando a Rainha Vitória (Breffni Holahan) tem uma conversa extraordinária com Deus (Will Bliss). Ele garante a ela que se ela tomar as decisões certas, ela será homenageada por alguns dos principais atores do país que a interpretaram em The Crown na televisão.
O resultado é uma alegre caricatura histórica e uma boa diversão teatral.
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2024-10-25 02:35